Sebastião Salgado conoce la MTV

Entre 1980 y 1986 la fiebre del oro alcanzó su máxima expresión contemporánea en las colinas de Serra Pelada -Montaña Pelada-, al noreste de Brasil. Más de 80,000 hombres perforaron a diario esta gran montaña -utilizando para ello solo sus manos o algunos pocos instrumentos rudimentarios- en pos del encuentro con el metal precioso que los sacaría de la pobreza. Este dramático cuadro social fue expuesto mundialmente a través de las fotografías de Sebastião Salgado. En sus imágenes, observamos a decenas de miles de hombres reducidos a hormigas trabajadoras hundidas en el fango, trepando escaleras artesanales de madera, atrapados en un pozo voraz. Un alucinante registro sobre la lucha del hombre por la supervivencia, pero también sobre la lucha del hombre en pos de la riqueza -y en medio de la locura-.

 

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Casi 10 años después, el director Samuel Bayer desarrolló el concepto del video musical de la canción Bullet With Butterfly Wings (The Smashing Pumpkins) alrededor de las fotos de Salgado. El artista visual lo explica de la siguiente manera:

“Bullet with Butterfly Wings fue todo un evento. Fue el primer single de un disco doble de los Smashing Pumpkins. Y bueno, yo había visto las fotografías de Sebastião Salgado sobre el trabajo en las minas de oro de Serra Pelada en Brasil. Definitivamente, fui muy influenciado por sus imágenes. 

Aquella vez pude utilizar un set de lentes desarrollado exclusivamente para mí por Panavision. Una de las razones que explican el por qué las películas antiguas poseen -hasta el día de hoy- cierta belleza visual es la escasa profundidad de campo que otorgaban los lentes. En aquella época, el sistema de construcción de los vidrios al interior de los lentes no era tan exacto como ahora. Por este motivo –deliberadamente primitivo y minimalista- le pedí a la gente de Panavision que desarrollara algunos lentes de este tipo. Utilicé varios lentes para la filmación del video, desafortunadamente todos se destruyeron tiempo después. Eran realmente extraordinarios.”

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Crítica: The Joy Of Motion – Animals As Leaders

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“Le dije a los músicos que podían hacer lo que les venga en gana, que tocaran todo aquello que quisieran” Miles Davis –sobre la grabación del disco doble Bitches Brew, The Autobiography.

La música puede ser todo aquello que tú quieras, la creatividad es libertad. Animals As Leaders es un caso inusual en el universo del metal progresivo instrumental. Sus canciones no duran más de 4 minutos pero en ese minúsculo tiempo –si lo comparamos a un tema de Dream Theater- se dan maña para combinar electrónica, metal, jazz fusion, funk, heavy soul, industrial y música clásica. Sí, la amalgama parece exagerada y hasta over the edge, sobretodo tratándose de un trio (dos guitarras + batería), pero el resultado final sorprende por su frescura, modernidad y, valgan verdades, maldito buen gusto.

Hay mucho que resaltar en la tercera placa de la agrupación, The Joy of Motion (2014). Kascade es la encargada de abrir el disco; vertiginosa y maquinal, las notas cíclicas de la guitarra nos transportan a paisajes futuristas de película de ciencia ficción. Por su parte, Physical Education está concebida –al igual que Kascade- en base a la técnica del thumb/slap guitar –las cuerdas se golpean con el pulgar-. Es tal vez el tema que mejor representa el virtuosismo de la banda; tras un furioso arranque de funk sonoro industrial, la pista hace guiños al heavy soul antes de pasar a un solo de jazz que es sucedido por un giro hacia la electrónica, todo sobre la base del matemático doble pedal de la batería acústica.

Animals As… es la criatura de Tosin Abasi –primera guitarra y cerebro creativo- quien tras auto-educarse observando videos instruccionales de guitar-heroes del Glam Metal decide estudiar música de manera formal y empaparse de otros géneros como el jazz y la música clásica. El grupo es la materialización de las múltiples influencias que comparte junto a sus otros compañeros de ruta, Javier Reyes -segunda guitarra-, y Matt Garstka -percusión-: Todo desde Pantera, Aphex Twins y Allan Holdswoth hasta Radiohead, Dream Theater, Bjork y un etcétera interminable.

Tooth and Claw desborda agresividad por los cuatro costados –se nota la influencia de guitarristas como Dimebag Darrell- mientras que Crescent pasa del Metal Electrónico al Jazz Electrónico con la misma facilidad que emplearía un cantante pop para saltar de una estrofa a un estribillo. Mención aparte para la exquisita The Future That Awaited Me cuyo intro y base melódica me recuerda a los Génesis más inspirados de la era Gabriel-Hackett, simplemente una composición de belleza europea clásica. Y si todavía te preguntas como suena una guitarra clásica acústica sobre la base de una banda de rock –sintetizador incluido- pues ahí está Para Mexer.

A seguirles la pista a partir de ahora.

PACO

Efecto de Sonido

El estudio de grabación es una puerta abierta hacia la creatividad, la experimentación y la evolución sonora. Gente como los Beatles, Roxy Music, Pink Floyd, Radiohead y un larguísimo etcétera nos lo recuerdan cada vez que presionamos Play.

Muchas de las historias de grabación incluyen detalles divertidos, recursos de producción impensados, ideas ingeniosas; técnicas utilizadas por músicos, ingenieros y productores que entendían y se divertían con el sonido.

Ganchos para el Cabello

El sonido etéreo de las teclas de piano de You Still Believe in Me se logró gracias a la genial tozudez de Brian Wilson, quien no dudó en experimentar con ganchos de metal y clips en busca del sonido mágico que ansiaba para uno de los cortes de esa obra maestra llamada Pet Sounds.

Tony Asher, co-letrista del disco- recuerda, “ Yo punteaba las cuerdas desde el interior de la caja del piano al mismo tiempo que Brian tocaba las notas. La idea era que ambos tocáramos las notas al mismo tiempo, solo así obteníamos un sonido diferente. Rasgaba las cuerdas con clips para papel y con varios tipos de ganchos para sujetar el cabello”.

 

Azúcar Embolsada

Sweet Emotion popularizó a gran escala el uso del Talk Box guitar pero el quintento de Boston también puso énfasis en técnicas más simples. Las maracas que escuchamos a lo largo del intro y durante buena parte de la canción no son maracas, sino más bien un paquete de azúcar que Steven Tyler sacudió a perfecto compás durante toda la grabación.

 

Tenedores y Cuchillos

El solo hecho de que Judas Priest grabara British Steel en la ex casa de John Lennon –sí, la que aparece en el video de Imagine- es de por sí una cosa de locos. Por aquella época -1979-, la casa le pertenecía a Ringo Starr pero éste la había puesto en alquiler como estudio de grabación. Los Priest acudieron al llamado, se encerraron y no salieron hasta consumar su disco más renombrado, una de las joyas de la corona del Heavy Metal.

Metal Gods supuso la grabación en vivo de varios sonidos poco convencionales para recrear ambientes caóticos y futuristas; tacazos de billar, golpeas a puertas y estufas, latigazos de cuerda de guitarra, etc. Pero ninguno de ellos comparable al zarandeo de la bandeja de cubiertos de la cocina de Ringo. Rob Halford sacudió 12 veces una caja llena de tenedores y cuchillos para darle el toque final al track n2.

 

Micrófono a la Parilla

La grabación del disco Follow The Leader de Korn fue un reto para el productor Toby Wright. “Fue un proyecto experimental complejo desde el punto de vista sonoro”, recuerda Wright. “La banda quería obtener sonidos que no hubieran sido utilizados nunca antes”.

Una forma de conseguir un sonido de guitarra novedoso se logró pegando con cinta un micrófono al interior de una parrilla de carne, además también se colocó un amplificador en miniatura.

PACO

SAUDADES DE FÚTBOL

El Mundial de Fútbol Brasil 2014 es materia de conversación por diversos motivos: Los deportivos, los sociales y, valgan verdades, los musicales. Sobre esto último, la ceremonia de inauguración generó críticas de todo calibre en las redes sociales. Obviamente, desde esta tribuna no voy a evaluar el tema oficial del evento. Medir comparativamente la calidad musical de tracks como La Copa de la Vida (1998), el Waka Waka (2010) o, ahora, We Are One (Ole Ola), no sólo sería intrascendente sino también altamente cómico. Lo que sí deseo resaltar es la miopía de la FIFA para aprovechar el vasto catálogo musical del país más futbolero del mundo. Tal parece que nombres como los de Rita Lee, Max Cavalera, Os Novos Baianos, Caetano Veloso, Los Hermanos, Os Paralamas Do Successo o Gilberto Gil simplemente no aparecen en la agenda del sexagenario Joseph Blatter.

Felizmente para nosotros, la buena música Brasileña abunda. Estas 4 canciones esconden 4 historias sobre la perfecta comunión entre la música, el fútbol y la sociedad carioca.

Inútil – Ultraje a Rigor (1983)

Inspirada en la eliminación de la selección Brasilera a manos de Italia en el Mundial España 82, Inútil es una crítica hacia todas las cosas que no funcionan bien en la sociedad, entre ellas, la rabia e impotencia que produce ver perder a tu equipo así este juegue el fútbol más hermoso del mundo. “A gente joga bola e não consegue ganar” (la gente juega pelota y no consigue ganar), sentencia una de las estrofas. La canción recupera vigencia cada vez que la verde amarelha es eliminada de una Copa del Mundo.

Extraída del EP Inútil / Mim Quer Tocar, la canción logró vender 30 mil copias a pesar de la censura del gobierno militar de la época.

 

É Uma Partida De Futebol- Skank (1996)

La raíz de É Uma Partida de Futebol (Es un partido de fútbol) tiene su origen en la comunión de dos históricas bandas brasileñas: Nando Reis (ex – Titãs) compuso la letra mientras que Samuel Rosa (Skank) la música. Fanáticos del Sao Paulo F.C. y el Cruzeiro respectivamente, la idea de componer juntos sobre el tema fútbol nació el mismo día que se conocieron, en los estudios del programa Rock y Gol de la cadena MTV.

Track extraído del disco O Samba Poconé (1996) que vendió la friolera de 800 mil copias en sus 2 primeros meses.

 

Independente Futebol Clube – Ultraje a Rigor (1984)

El fútbol como idea de escape temporal a las frustraciones, la insatisfacción y la rabia. Hay una analogía entre el individuo que lucha por la  libertad que la sociedad le prohíbe y la libertad que disfruta el hincha al gritar sus cánticos sobre una tribuna. Roger Moreira, voz de Ultraje, no pensaba en la barra del club de sus amores a la hora de escribir el tema sino más bien en la dictadura militar brasileña. Es un canto anárquico sobre la emancipación personal que, al llegar al coro, recuerda vívidamente el fervor de una barra brava.

La canción forma parte de la ópera prima de Ultraje a Rigor, Nós Vamos Invadir sua Praia (1984).

 

Novos Baianos – Mistério do Planeta (1972)

No existe en todo el Brasil una banda más obsesa con la pelota que los Novos Baianos. La agrupación formada en Salvador (Bahia) dedicó un álbum a la participación del Scratch en el Mundial Alemania 74 (Linguagem do Alunte) y, un año antes, se retrató jugando partido en la portada de su flamante disco Novos Baianos F.C. (Football Club), como para despejar cualquier duda sobre su fanatismo futbolero.

Mistério do Planeta no hace alusión directa al deporte rey pero es el mejor ejemplo del mestizaje musical de la banda liderada por el alma de Moraes Moreira (compositor, cantante) y el virtuosismo del hacha Pepeu Gomes (guitarra eléctrica). La pista está incluida en la trascendental placa Acabou Chorare (1972), considerada por la Revista Rolling Stone como el mejor disco de música brasileña de todos los tiempos.

PACO

*Saudade: Nostalgia.

Videodrama

La medianoche del 1 de Agosto de 1981 será recordada como la fecha en que salió al aire la cadena MTV. Desde entonces, cientos de miles de artistas experimentaron con el medio (video), cada cual con diferente resultado. Los videoclips fallidos también ocupan un lugar importante en nuestra memoria y para reconocer uno de ellos basta percatarse del mal guión, ridículo montaje, utilización de efectos innecesarios o de la pésima actuación de los músicos. Uno de los clichés más utilizados es, sin duda, el cameo del actor hollywoodense. Considerado como recurso barato para generar publicidad y promoción inmediata; no obstante, hay ocasiones en las que esta fórmula se compenetra de manera orgánica con las melodías de una canción y, bajo la dirección del artista visual adecuado, se convierte en una obra de arte que apasiona, perturba, enternece y enamora al espectador.

Estos ejemplos e historias nos recuerdan que un actor puede fungir de mucho más que de un simple modelo y, en verdad, mandarse una buena actuación en un videoclip.

Juliette Lewis – Come to my Window (Melissa Etheridge)

El equipo de producción bajo las órdenes del director Samuel Bayer colocó a Juliette Lewis dentro del set e hizo sonar la canción repetidas veces. La actriz no dispuso de un guión por lo que tuvo que improvisar su incendiaria actuación durante el rodaje del videoclip. Estéticamente, el experto manejo del contraste en blanco y negro más el acertado uso de la técnica de enfoque selectivo aportaron su cuota para convertir a Come To My Window en el más exitoso sencillo del álbum Yes I Am (1993).

Otros trabajos de Samuel Bayer: No Rain (Blind Melon) y Smells Like Teen Spirit (Nirvana).

 

Samantha MortonSheena is a Parasite (The Horrors)

Consultada sobre el desenlace de su personaje al final del video de la banda británica The Horrors, Samantha Morton responde con sinceridad: “Verdaderamente, no lo sé. Creo que tiene algo que ver con pollos muertos. Tendrías que preguntarle a Chris.”

El artista visual Chris Cunningham grabó la toma principal (con Morton) en estudio utilizando una DV CAM. El trabajo de postproducción incluyó composiciones de múltiples capas y transiciones sin fisuras entre las tomas, pero uno de los mayores retos fue lograr la precisa sincronización entre audio y video. Para tal efecto, se tuvieron que usar docenas de tomas. “Para mí es simplemente reaccionar al sonido. El sonido activa mi imaginación” ha dicho el director.

Otros trabajos de Chris Cunningham: All Is Full of Love (Bjork), Frozen (Madonna) y Come to Daddy (Aphex Twin).

 

Robert Downey Jr.I Want Love (Elton John)

En 2001, Robert Downey Jr. acababa de ser despedido de la exitosa serie de televisión Ally McBeal y continuaba su interminable lucha contra la adicción a la cocaína y la heroína. Es por este motivo que a Elton John se le ocurre la idea de convocarlo para protagonizar el eje temático de I Want Love. Downey Jr. recibió permiso de salida por un día del centro de rehabilitación donde se encontraba internado para asistir a la grabación.

Grabado en los ambientes de la mansión Doheny en Beverly Hills – California por la directora británica Sam Taylor-Wood, el video consiste en un plano secuencia. Se realizaron 16 tomas durante el rodaje y, finalmente, se escogió la última para promocionar el sencillo.

Otros trabajos de Sam Taylor-Wood: Nowhere Boy (2009).

 

Scarlett JohanssonWhen the Deal Goes Down (Bob Dylan)

Scarlett Johansson inunda las imágenes, cautiva con espontaneidad y, de paso, nos lleva en un recorrido por una Norteamérica que no existe más. Dylan no aparece físicamente pero su presencia es tan patente como la de la actriz: Casi todo el video retrata la vida adolescente y familiar en el estado de Minnesota, cuna del cantante, durante la segunda mitad de la década de 1950. Además, se hace referencia a discos de Buddy Holly, Hank Williams y hasta se muestra la portada del libro Bound for Glory.

El realizador norteamericano Bennett Miller filmó el trabajo con una cámara 8mm y utilizó un plano subjetivo (¿la mirada de Bob?) como eje para la narración de las imágenes.

Otros trabajos de B. Miller: Capote (2005), Moneyball (2011).

Recomendada: 20 Feet From Stardom

La cacería del éxito por el éxito es el enlatado de moda que nos vende la TV bajo el formato de realities de canto intragables donde, por lo general, se premia la popularidad antes que la calidad musical. Por eso es tan importante ver películas como 20 Feet From Stardom (USA – 2013), documental que relata el largo, complejo y, muchas veces, doloroso camino espiritual que debe recorrer una cantante en busca del reconocimiento público de su talento.

Recientemente ganadora del Globo de Oro y el Oscar 2014, la premisa argumental del filme es por demás atractiva: 6 coristas norteamericanas nacidas en la cuna del Gospel y el Soul luchan por abrirse paso en la industria como cantantes solista sin lograr mayor éxito; no obstante, la vida y el azar las convierten en pieza clave para la innovación del rock británico de la década de 1970. Escuchar cantar por vez primera a verdaderos íconos anónimos de la música popular como Darlene Love, Merry Clayton o Lisa Fischer es tan impresionante como revisitar algunas de las canciones que ellas (con sus voces) ayudaron a convertir en jemas imprescindibles para cualquier adicto a los estribillos. La cinta, dirigida por Morgan Neville, también incluye notables imágenes de archivo de conciertos así como entrevistas a músicos (Mick Jagger, Stevie Wonder, Bruce Springsteen) que dan su opinión personal sobre los avatares en la carrera de las coristas y el rol que cumplen en la creación canciones legendarias.

Momento Cumbre: Las interpretaciones en vivo de Young Americans (David Bowie), Space Captain (Joe Cocker), Slippery People (The Talking Heads) y Hounds of Winter (Sting).

Paco

Nunca Morirás

MONKEYS

Durante la premiación de los Brit Awards 2014, Arctic Monkeys hicieron una cerrada defensa del rock.

¿Está muerto el rock n’ roll? Si no lo está pues se encuentra hibernando en algún lugar del planeta. Hoy en día hay más bandas que nunca antes y, sin embargo, la posibilidad de que alguna de ellas ingrese con éxito al vientre de la industria discográfica es casi inexistente. En pleno apogeo de facebook, soundcloud, myspace y youtube, el rock ha perdido una enorme porción de popularidad entre el gran público y las dos industrias más poderosas del orbe nos lo han restregado en el rostro durante los últimos días.

Desde la versión televisada de los premios Grammy 2014 se esforzaron al máximo por tratar de convencernos de que allá todavía “adoran” al rock (un LL Cool J al terno lo mencionó textualmente al despedir la transmisión), pero lo cierto es que el género no se llevó ni un solo premio importante en toda la noche y apenas tuvo a los Imagine Dragons, nominados por un single que enorgullecería a Katy Perry, como los solitarios embajadores de la nueva hornada rockera. Lo único que alcanzamos a ver por la caja boba fue como la dupla Macca-Grohl (Cut Me Some Slack) le ganó la pulseada a Jagger-Richards (Doom and Gloom), Black Sabbath (God Is Dead?) y a los propios Dragons (Radioactive) en la categoría “Mejor Canción de Rock”.

La colaboración de Lindsey Buckingham (Fleetwood Mac) junto a Nine Inch Nails y Queens of the Stone Age fue espectacular pero la academia cometió la estupidez de cortar la transmisión en medio de la performance para poner en su lugar publicidad de una cadena de hoteles.

Por su lado, los Brit Awards tomaron la ruta inversa y elevaron a los Arctic Monkeys como los grandes ganadores de la gala. De esta manera, la banda indie de Sheffield acaparó las dos estatuillas principales: Mejor Grupo Británico y Album Británico del Año, esta última por su disco AM (2013). Irónicamente, aparte de ellos y del misterioso David Bowie (ganó en la categoría Artista Solista Masculino), no hubo más espacio para otros rockeros. Al acercarse a recibir el último premio de la noche, el líder de los Monkeys, Alex Turner, se zurró las gracias y en su lugar elaboró una observación en plan “rant” sobre la realidad del género que nos heredó Little Richard hace casi 60 años:

Ése rock n’ roll, no?  Ése rock n roll simplemente se niega a desaparecer. Cada cierto tiempo entra en estado de hibernación y termina hundido en el pantano, pero siempre está ahí, esperando su oportunidad a la vuelta de la esquina para abrirse paso en medio del lodo y destruir todo a su paso. Ése rock n roll. A veces parece que va a desaparecer, pero la verdad es que nunca morirá y no hay nada que puedas hacer al respecto.”

Amén.

El discurso de cierre de la noche.

Metallica live!!

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