Crítica: The Joy Of Motion – Animals As Leaders

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“Le dije a los músicos que podían hacer lo que les venga en gana, que tocaran todo aquello que quisieran” Miles Davis –sobre la grabación del disco doble Bitches Brew, The Autobiography.

La música puede ser todo aquello que tú quieras, la creatividad es libertad. Animals As Leaders es un caso inusual en el universo del metal progresivo instrumental. Sus canciones no duran más de 4 minutos pero en ese minúsculo tiempo –si lo comparamos a un tema de Dream Theater- se dan maña para combinar electrónica, metal, jazz fusion, funk, heavy soul, industrial y música clásica. Sí, la amalgama parece exagerada y hasta over the edge, sobretodo tratándose de un trio (dos guitarras + batería), pero el resultado final sorprende por su frescura, modernidad y, valgan verdades, maldito buen gusto.

Hay mucho que resaltar en la tercera placa de la agrupación, The Joy of Motion (2014). Kascade es la encargada de abrir el disco; vertiginosa y maquinal, las notas cíclicas de la guitarra nos transportan a paisajes futuristas de película de ciencia ficción. Por su parte, Physical Education está concebida –al igual que Kascade- en base a la técnica del thumb/slap guitar –las cuerdas se golpean con el pulgar-. Es tal vez el tema que mejor representa el virtuosismo de la banda; tras un furioso arranque de funk sonoro industrial, la pista hace guiños al heavy soul antes de pasar a un solo de jazz que es sucedido por un giro hacia la electrónica, todo sobre la base del matemático doble pedal de la batería acústica.

Animals As… es la criatura de Tosin Abasi –primera guitarra y cerebro creativo- quien tras auto-educarse observando videos instruccionales de guitar-heroes del Glam Metal decide estudiar música de manera formal y empaparse de otros géneros como el jazz y la música clásica. El grupo es la materialización de las múltiples influencias que comparte junto a sus otros compañeros de ruta, Javier Reyes -segunda guitarra-, y Matt Garstka -percusión-: Todo desde Pantera, Aphex Twins y Allan Holdswoth hasta Radiohead, Dream Theater, Bjork y un etcétera interminable.

Tooth and Claw desborda agresividad por los cuatro costados –se nota la influencia de guitarristas como Dimebag Darrell- mientras que Crescent pasa del Metal Electrónico al Jazz Electrónico con la misma facilidad que emplearía un cantante pop para saltar de una estrofa a un estribillo. Mención aparte para la exquisita The Future That Awaited Me cuyo intro y base melódica me recuerda a los Génesis más inspirados de la era Gabriel-Hackett, simplemente una composición de belleza europea clásica. Y si todavía te preguntas como suena una guitarra clásica acústica sobre la base de una banda de rock –sintetizador incluido- pues ahí está Para Mexer.

A seguirles la pista a partir de ahora.

PACO

Metallica live!!

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Estadio San Marcos – Lima 19.01.10 Han pasado más de 4 años desde que Metallica tocó en Lima.  Aquella noche, me impresionaron muchos aspectos de la agrupación formada en Los Ángeles; entre ellos, la increíble calidad de su sonido en … Continue reading

¿Quién diablos es Brad Wilk?

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El retorno de la formación original de Black Sabbath es la noticia del año. Y es que tuvieron que pasar casi 35 años, desde la salida del disco Never Say Die! – 1978, para que Ozzy Osbourne (voz), Tony Iommi (guitarra), Geezer Butler (bajo) y Bill Ward (batería) se volvieran a juntar en los estudios de grabación. No obstante, la edición de su flamante nuevo álbum, titulado “13” (Thirteen), trae de paso una sorpresa para la rabiosa fanaticada metalera: Bill Ward, baterista y miembro co-fundador de la agrupación de Birmingham, se abstuvo de participar tanto de la grabación como de la gira mundial de promoción del disco. ¿Regreso a medias?

Se barajaron varios nombres para ocupar el asiento de Ward, entre ellos incluso se voceó a Ginger Baker (Cream); finalmente, se optó por un nombre igual de inesperado: Brad Wilk, baterista fundador de la banda californiana Rage Against The Machine. La noticia tomó por sorpresa a fans y músicos que se preguntaban por igual ¿Por qué a él? La controversia generada tuvo eco en Mike Portnoy (ex batero de Dream Theater) quien, tras escuchar “13”, escribió lo siguiente en su cuenta de twitter:

“Brad Wilk suena genial en el nuevo disco de Black Sabbath, pero no dejo de pensar que si no se podía contar con Bill Ward, pues se debió escoger a Vinny Appice*.”

Pero el tantas veces mentado Wilk es mucho más que solo una máquina percusiva de hip-hop metalero. Brad Wilk fue el típico chico que creció en un hogar con pocos referentes musicales en la familia. El típico chico a quien sus padres le niegan una batería de regalo. Hijo de un joyero en bancarrota, pasó su infancia y adolescencia escuchando rock, punk y funk. “Tenía por costumbre dormir con discos de James Brown sonando toda la noche.” Cuenta Wilk. Sin embargo, el momento que marcó su destino de manera definitiva fue el día que vió a John Bonham en la película “The Song Remains The Same” (Warner Bros. 1976). Aquella vez alucinó. “Bonham me encanta porque no luce como suena. Es decir, cuando le ves tocar, físicamente no transmite todo el ritmo y el swing que realmente tiene. En los discos de Zeppelin me deja completamente boquiabierto.” Otros bateristas que le influyeron de igual forma fueron Elvin Jones (John Coltrane, The Elvin Jones Jazz Machine), Keith Moon (The Who), Mitch Mitchell (Jimmy Hendrix), y Split Sticks (Fear).

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Su primera batería (Grestch) la pagó en partes cuando aún estaba en la escuela secundaria. “Tuve que pagar alrededor de 6 meses antes de tenerla en mi poder. No tienes idea, solía ir a verla a la tienda de música todas las semanas. Estaba muy ansioso y emocionado. Recuerdo que cuando finalmente me la entregaron pude valorar el esfuerzo que realicé por ella.” Asevera el sticksman.

En 1991, colocó un aviso en el que decía que buscaba formar una banda que pudiese explorar diversos estilos musicales, con el objetivo de crear un tipo de música totalmente original. Con Rage Against The Machine el éxito fue casi inmediato. Su mezcla de hip-hop, hard rock, funk y heavy metal fue un trallazo, un pelotón de aniquilamiento acribillando las estaciones de radio y la MTV. “En Rage Against The Machine, musicalmente y líricamente todo giraba en torno a la política.” Exclama Wilk.

En el primer disco de Rage, Wilk reemplazó los Toms por dos cencerros (cowbells). Su idea era obtener el ritmo sólo desde la tarola, el charles y el bombo.

Tras los tambores, el estilo de Wilk se caracteriza por el énfasis que le pone al groove; la cadencia de su patrón rítmico y su herencia proveniente del funk. La particularidad de su sonido la producen los espacios (silencios) entre las notas. El juego de empujar y jalar el groove. Tal y como aprendió de Bonham. “Me encantan MC5 e Iggy Pop. Escucho a cualquier baterista que toque al límite. Para mí, hacer música significa ponerte al límite, dejarte llevar y exponerte completamente ante el público sin ningún temor.”

Los ritmos sincopados y la percusión Hip-Hop son evidentes en “Mic Check.”

Tres discos de estudio sucedieron a la ópera prima de Rage: Evil Empire – 1996, The Battle of Los Angeles – 1999 y Renegades – 2000. El rompimiento con el vocalista Zach de la Rocha se da en el año 2000 y tras esto la banda se desintegra. Tiempo después, en 2002, Wilk (junto a sus otros compañeros de RATM) se asocia a Chris Cornell (Soundgarden) y nace Audioslave, agrupación con la que gozaron de éxito comercial durante 7 años.

Lo que parió la unión entre Soundgarden y RATM.

Después de todo lo que se ha dicho (y criticado), tal vez lo mejor sea escuchar la sabia opinión del productor del nuevo disco de Sabbath, el afamado Rick Rubin, quien resume la elección de Wilk de la siguiente manera:

“Tocar los tambores en Black Sabbath es un trabajo muy difícil porque si bien hay muchos bateristas que pueden tocar Metal no los hay muchos que puedan tocar blues y jazz, y que puedan aportar ese aspecto heavy a las piezas musicales de Sabbath que devienen del jamming. Y eso es justamente lo que hace Black Sabbath.”

Escuchen el tema “God is Dead” y juzguen ustedes mismos.

* Vinny Appice es baterista y ha tocado con Black Sabbath, Heaven and Hell y Dio, entre muchas otras bandas.

El Hijo Bastardo de Elvis

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Pocas bandas logran combinar el Heavy Metal con otros sub-géneros y ser exitosos (tanto para la crítica especializada como para el gran público). El Metal es un sub-género amplio pero también excluyente y sus fanáticos suelen rechazar todo aquello no sea considerado puro o “really heavy metal”. Curiosamente, la banda que inventó este estilo musical, Black Sabbath, siempre evidenció sus influencias provenientes del blues y el jazz.

Danzing (1987-2013) representa la mezcla más original de rock n roll, heavy metal y blues de la escena norteamericana de los 90’s. Su líder, Glenn Danzing, también fundador de la banda de horror-punk The Misfits, es una reencarnación vocal de Elvis Presley, pero un Elvis oscuro, maligno y enfurecido. Apoyado en su voz de barítono, logró darle a su agrupación un sonido sombrío y agresivo, y la catapultó como la revelación de su época.

Thrall-Demonsweatlive (1993) es el registro sonoro de la mejor época de la formación original de la banda que, por entonces, estaba conformada, además del propio Danzig, por John Christ (guitarra), Eerie Von (bajo) y Chuck Biscuits (batería). El disco está divido en dos secciones: La primera, conformada por tres canciones originales de estudio mientras que, la segunda, está integrada por cuatro temas en directo tomados de un show en el Irvine Meadows Amphitheater de California en 1992. En esta placa cada uno de los temas es un trallazo: La fuerza minimal de “It’s Coming Down” antecede a la cadencia heavy Groove de “The Violet Fire”, mientras que la cuota de calma y melodía vocal desgarrada la pone la estupenda “Sistinas” antes de culminar con las heavies “Mother” y “Am I Demon”.

Editado hace exactamente 20 años, Thrall-Demonsweatlive continúa sonando moderno, agresivo y vital; como una bocanada de aire fresco en medio del panorama metalero actual.

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