Crítica: Damon Albarn-Everyday Robots (2014)

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La música es el vehículo ideal para el comentario social entre generaciones y el rock es, en ese sentido, uno de sus géneros abanderados. Pero, ¿se puede criticar desde la melancolía? ¿Se puede ser honesto y musical desde la pena más profunda? Damon Albarn, voz y cerebro creativo detrás de Blur y Gorillaz, nos recuerda que sí. El sentido de Everyday Robots (2014) salta a la vista desde el título: En su primer trabajo en solitario, el hombre portada de la escena Britpop, realiza una observación inteligente sobre el efecto emocional que ejerce la tecnología (léase redes sociales, internet) sobre nosotros.

Sónicamente, la placa se apoya en su atmósfera gris, desolada; en la fragilidad emocional de un día nublado que antecede a la tormenta devastadora. Tres instrumentos conforman el esqueleto de la producción: La guitarra acústica, el piano y el sintetizador. Todo empieza con el track que da nombre al disco y su demoledora estrofa “We are everyday robots on our phones/in the process of getting home/looking like standing stones/Out there on our own.” Hostiles, por su parte, gira en torno a la escaza comunicación entre dos sujetos que juegan, abastraídos, el video game The Dark Knight. Otros cortes hacen alusión a la obsesión de tomar fotos por gusto (Photographs You Are Taking Now) o al aislamiento (Lonely Press Play).

El ambiente cargado de paisajes sonoros electrónicos (loops, samplers) ha sido obra de Richard Russell, productor y jefe fundador del sello XL Records, quien echó mano, por ejemplo, de instrumentos de percusión provenientes del África para crear aspectos rítmicos novedosos. También hay lugar para el soul y Heavy Seas of Love nos recuerda la aproximación vocal ya experimentada desde los tiempos de Blur (Tender). Resulta curioso que el tema haya contado con la participación de Brian Eno (Roxy Music, U2) en las estrofas.

El momento más emotivo del álbum llega con The Selfish Giant y su bajo que gravita como el corazón de un paciente en cuidados intensivos. Albarn canta hablando. En el sentido estricto no se trata de un vocalista muy técnico pero es capaz de conceder emoción a las palabras con tan solo una inflexión, con la armonía exacta para conmoverte hasta las lágrimas o para colocarte en un pozo sin salida. El proyecto es también una mirada autobiográfica a su vida personal; así, repasa su infancia (Hollow Pounds), su adicción a la heroína (You and Me) y su vida sentimental (The History of a Cheating Heart).

Claro, no todo en el disco es perfecto. Mr. Tembo, con su divertido ritmo up-beat, parece salido de la banda sonora de Happy Feat o Río y, en un sentido musical-conceptual, no se entiende su inclusión en la placa. Con todo, Everyday Robots, es de lo mejor que he escuchado esta primera mitad del año por su carácter claro y sin concesiones en torno a los temas que trata. En una muy reciente entrevista, consultado sobre las mayores dificultades al grabar su ópera prima, Damon Albarn dejó esta idea: “Desde un punto de vista lírico traté de ser completamente honesto. Y no es fácil ser completamente honesto.”

Paco

 

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Videodrama

La medianoche del 1 de Agosto de 1981 será recordada como la fecha en que salió al aire la cadena MTV. Desde entonces, cientos de miles de artistas experimentaron con el medio (video), cada cual con diferente resultado. Los videoclips fallidos también ocupan un lugar importante en nuestra memoria y para reconocer uno de ellos basta percatarse del mal guión, ridículo montaje, utilización de efectos innecesarios o de la pésima actuación de los músicos. Uno de los clichés más utilizados es, sin duda, el cameo del actor hollywoodense. Considerado como recurso barato para generar publicidad y promoción inmediata; no obstante, hay ocasiones en las que esta fórmula se compenetra de manera orgánica con las melodías de una canción y, bajo la dirección del artista visual adecuado, se convierte en una obra de arte que apasiona, perturba, enternece y enamora al espectador.

Estos ejemplos e historias nos recuerdan que un actor puede fungir de mucho más que de un simple modelo y, en verdad, mandarse una buena actuación en un videoclip.

Juliette Lewis – Come to my Window (Melissa Etheridge)

El equipo de producción bajo las órdenes del director Samuel Bayer colocó a Juliette Lewis dentro del set e hizo sonar la canción repetidas veces. La actriz no dispuso de un guión por lo que tuvo que improvisar su incendiaria actuación durante el rodaje del videoclip. Estéticamente, el experto manejo del contraste en blanco y negro más el acertado uso de la técnica de enfoque selectivo aportaron su cuota para convertir a Come To My Window en el más exitoso sencillo del álbum Yes I Am (1993).

Otros trabajos de Samuel Bayer: No Rain (Blind Melon) y Smells Like Teen Spirit (Nirvana).

 

Samantha MortonSheena is a Parasite (The Horrors)

Consultada sobre el desenlace de su personaje al final del video de la banda británica The Horrors, Samantha Morton responde con sinceridad: “Verdaderamente, no lo sé. Creo que tiene algo que ver con pollos muertos. Tendrías que preguntarle a Chris.”

El artista visual Chris Cunningham grabó la toma principal (con Morton) en estudio utilizando una DV CAM. El trabajo de postproducción incluyó composiciones de múltiples capas y transiciones sin fisuras entre las tomas, pero uno de los mayores retos fue lograr la precisa sincronización entre audio y video. Para tal efecto, se tuvieron que usar docenas de tomas. “Para mí es simplemente reaccionar al sonido. El sonido activa mi imaginación” ha dicho el director.

Otros trabajos de Chris Cunningham: All Is Full of Love (Bjork), Frozen (Madonna) y Come to Daddy (Aphex Twin).

 

Robert Downey Jr.I Want Love (Elton John)

En 2001, Robert Downey Jr. acababa de ser despedido de la exitosa serie de televisión Ally McBeal y continuaba su interminable lucha contra la adicción a la cocaína y la heroína. Es por este motivo que a Elton John se le ocurre la idea de convocarlo para protagonizar el eje temático de I Want Love. Downey Jr. recibió permiso de salida por un día del centro de rehabilitación donde se encontraba internado para asistir a la grabación.

Grabado en los ambientes de la mansión Doheny en Beverly Hills – California por la directora británica Sam Taylor-Wood, el video consiste en un plano secuencia. Se realizaron 16 tomas durante el rodaje y, finalmente, se escogió la última para promocionar el sencillo.

Otros trabajos de Sam Taylor-Wood: Nowhere Boy (2009).

 

Scarlett JohanssonWhen the Deal Goes Down (Bob Dylan)

Scarlett Johansson inunda las imágenes, cautiva con espontaneidad y, de paso, nos lleva en un recorrido por una Norteamérica que no existe más. Dylan no aparece físicamente pero su presencia es tan patente como la de la actriz: Casi todo el video retrata la vida adolescente y familiar en el estado de Minnesota, cuna del cantante, durante la segunda mitad de la década de 1950. Además, se hace referencia a discos de Buddy Holly, Hank Williams y hasta se muestra la portada del libro Bound for Glory.

El realizador norteamericano Bennett Miller filmó el trabajo con una cámara 8mm y utilizó un plano subjetivo (¿la mirada de Bob?) como eje para la narración de las imágenes.

Otros trabajos de B. Miller: Capote (2005), Moneyball (2011).

La Última Vez: Kurt Cobain

COBAIN GRANDE

Photographs ©Jesse Frohman

La peor pesadilla de un fotógrafo es el cambio de planes a último minuto. Abandonado por la última colilla de cigarrillo y atarantado del aburrimiento, el fotógrafo suma los minutos de su larga espera sobre su reloj digital: “Ya van tres horas” piensa. Para cuando el cantante de la banda se digna en aparecer, Jesse Frohman, fotógrafo del diario Sunday Observer, sabe que nada de lo que había planeado el día anterior se hará realidad. Nada. Le habían prometido una sesión en exteriores de 5 horas con la agrupación más mediática del momento, Nirvana, pero hacia las tres y media de la tarde el manager del grupo le ha informado que ya no queda tiempo y que deberá hacer los retratos en el sótano del hotel neoyorkino “Omni”, centro de operaciones temporal de los reyes del mal llamado Grunge rock.

“¿Tienes un balde a la mano?” pregunta un desorientado Kurt. El artista visual asiente y le pregunta para qué lo quiere. “Es que creo que voy a vomitar” le dice el cantante.

Esta semana se cumple el vigésimo aniversario del suicidio de Kurt Cobain (Seattle, 5 de abril – 1994). Artista explosivo, contradictorio y multifacético, uno de los aspectos más documentados de su vida fue su relación amor-odio con los medios de comunicación. Hombre de portada en casi todas las revistas musicales especializadas de la época, la imagen que solía proyectar ante la cámara era la de un tipo con acentuado desdén, una suerte de desconfianza y apatía hacia el mundo que lo miraba a través del obturador de la máquina fotográfica. Siempre trataba de sacarle la vuelta a lo que se supone debe ser la imagen de una estrella en ascenso sideral; si debía salir guapo pues saldría feo, si debía parecer inteligente saldría tonto o, según la ocasión, sarcástico, ácido o brutal.

El presente registro fotográfico corresponde a la última sesión formal que el compositor concedió a los medios (la sesión con el francés Youri Lenquette fue una colaboración entre amigos y no considero que sea representativa de la relación de Cobain con el mainstream).  Las imágenes de Jesse Frohman, realizadas en el mes de noviembre de 1993, son un documento sobre parte de la personalidad del cerebro de Nirvana, quien por entonces atravesaba la etapa más dura de su adicción a la heroína.

Paco

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KURT LAST

 

Recomendada: 20 Feet From Stardom

La cacería del éxito por el éxito es el enlatado de moda que nos vende la TV bajo el formato de realities de canto intragables donde, por lo general, se premia la popularidad antes que la calidad musical. Por eso es tan importante ver películas como 20 Feet From Stardom (USA – 2013), documental que relata el largo, complejo y, muchas veces, doloroso camino espiritual que debe recorrer una cantante en busca del reconocimiento público de su talento.

Recientemente ganadora del Globo de Oro y el Oscar 2014, la premisa argumental del filme es por demás atractiva: 6 coristas norteamericanas nacidas en la cuna del Gospel y el Soul luchan por abrirse paso en la industria como cantantes solista sin lograr mayor éxito; no obstante, la vida y el azar las convierten en pieza clave para la innovación del rock británico de la década de 1970. Escuchar cantar por vez primera a verdaderos íconos anónimos de la música popular como Darlene Love, Merry Clayton o Lisa Fischer es tan impresionante como revisitar algunas de las canciones que ellas (con sus voces) ayudaron a convertir en jemas imprescindibles para cualquier adicto a los estribillos. La cinta, dirigida por Morgan Neville, también incluye notables imágenes de archivo de conciertos así como entrevistas a músicos (Mick Jagger, Stevie Wonder, Bruce Springsteen) que dan su opinión personal sobre los avatares en la carrera de las coristas y el rol que cumplen en la creación canciones legendarias.

Momento Cumbre: Las interpretaciones en vivo de Young Americans (David Bowie), Space Captain (Joe Cocker), Slippery People (The Talking Heads) y Hounds of Winter (Sting).

Paco

Nunca Morirás

MONKEYS

Durante la premiación de los Brit Awards 2014, Arctic Monkeys hicieron una cerrada defensa del rock.

¿Está muerto el rock n’ roll? Si no lo está pues se encuentra hibernando en algún lugar del planeta. Hoy en día hay más bandas que nunca antes y, sin embargo, la posibilidad de que alguna de ellas ingrese con éxito al vientre de la industria discográfica es casi inexistente. En pleno apogeo de facebook, soundcloud, myspace y youtube, el rock ha perdido una enorme porción de popularidad entre el gran público y las dos industrias más poderosas del orbe nos lo han restregado en el rostro durante los últimos días.

Desde la versión televisada de los premios Grammy 2014 se esforzaron al máximo por tratar de convencernos de que allá todavía “adoran” al rock (un LL Cool J al terno lo mencionó textualmente al despedir la transmisión), pero lo cierto es que el género no se llevó ni un solo premio importante en toda la noche y apenas tuvo a los Imagine Dragons, nominados por un single que enorgullecería a Katy Perry, como los solitarios embajadores de la nueva hornada rockera. Lo único que alcanzamos a ver por la caja boba fue como la dupla Macca-Grohl (Cut Me Some Slack) le ganó la pulseada a Jagger-Richards (Doom and Gloom), Black Sabbath (God Is Dead?) y a los propios Dragons (Radioactive) en la categoría “Mejor Canción de Rock”.

La colaboración de Lindsey Buckingham (Fleetwood Mac) junto a Nine Inch Nails y Queens of the Stone Age fue espectacular pero la academia cometió la estupidez de cortar la transmisión en medio de la performance para poner en su lugar publicidad de una cadena de hoteles.

Por su lado, los Brit Awards tomaron la ruta inversa y elevaron a los Arctic Monkeys como los grandes ganadores de la gala. De esta manera, la banda indie de Sheffield acaparó las dos estatuillas principales: Mejor Grupo Británico y Album Británico del Año, esta última por su disco AM (2013). Irónicamente, aparte de ellos y del misterioso David Bowie (ganó en la categoría Artista Solista Masculino), no hubo más espacio para otros rockeros. Al acercarse a recibir el último premio de la noche, el líder de los Monkeys, Alex Turner, se zurró las gracias y en su lugar elaboró una observación en plan “rant” sobre la realidad del género que nos heredó Little Richard hace casi 60 años:

Ése rock n’ roll, no?  Ése rock n roll simplemente se niega a desaparecer. Cada cierto tiempo entra en estado de hibernación y termina hundido en el pantano, pero siempre está ahí, esperando su oportunidad a la vuelta de la esquina para abrirse paso en medio del lodo y destruir todo a su paso. Ése rock n roll. A veces parece que va a desaparecer, pero la verdad es que nunca morirá y no hay nada que puedas hacer al respecto.”

Amén.

El discurso de cierre de la noche.

Descarga: Phil Lewis (L.A. Guns)

La Noche de Barranco – Lima 06.02.14

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“No estaba pensado que todo durase esos 8 años, como mucho se esperaba un año y medio. Se esperaba un único album memorable y que alguno de nosotros muriese en un accidente de coche, una sobredosis o algo así. L.A. Guns duró mucho más de lo que esperábamos”. Phil Lewis, Rock ‘n’ Roll Popular 1 – Septiembre 1998

Pero veinticinco años después de haber logrado su mayor éxito comercial gracias a la balada “The Ballad of Jayne”, Phil Lewis continúa izando la bandera de las otrora pistolas de Los Ángeles. En años recientes, Lima se ha vuelto paradero habitual para las bandas de hard rock americano de la década de los ochenta. Grupos como Quiet Riot, Skid Row, Mr. Big o Faster Pussycat, entre muchos otros, se pasean por las discotecas y c.c.* nuestra ciudad tal y como lo hacían en sus épocas de gloria al interior de los clubs de la avenida Sunset Strip. Tampoco es extraño toparse con ex-frontmen, ahora en plan solitario, como Jack Russell (Great White), Ted Poley (Danger Danger) o Mike Tramp (White Lion).

El cantante nacido en Londres (Inglaterra) no se anduvo con rodeos y de un plomazo desplegó una colección de canciones por las que cualquier banda sleazy de su época hubiera vendido su alma: Fábulas prototípicas sobre sexo, borracheras y tatuajes. Así se sucedían Sex Action, Never Enough, I Want to Be Your Man y No Mercy. Siendo sincero, si por algo ha de pasar L.A. Guns a la historia del hard angelino será por dos motivos: Por su aporte en la incepción de Guns n’ Roses (Tracii Guns fue el lead guitar original del quinteto) y por la cumbre que les significó su segunda placa, el cañero Cocked & Loaded (1989).

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La segunda mitad del concierto nos reservó lo mejor del talento vocal de Lewis quien lució versátil y original en Over the Edge (de lejos el mejor tema de la noche), la power-pop Beautiful, Araña Negra (cantada íntegramente en castellano) y la popularísima The Ballad of Jayne. Mención aparte para los músicos locales que le acompañaron: Claudio Cabrera (primera guitarra), César Gonzáles (segunda guitarra), Ricardo Zárate (Bajo) y Fred Aching (batería) reeditaron una excelente perfomance (el año pasado lo hicieron al lado de Miljenko Matijevic, ex Steelheart).

*Centro de Convenciones.

 

Metallica live!!

Gallery

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Estadio San Marcos – Lima 19.01.10 Han pasado más de 4 años desde que Metallica tocó en Lima.  Aquella noche, me impresionaron muchos aspectos de la agrupación formada en Los Ángeles; entre ellos, la increíble calidad de su sonido en … Continue reading

El Regreso de la Viuda Negra

2013paolakudacki06© Paola Kudacki

Por estos días, Courtney Love afronta juicio en el primer caso declarado de difamación por twitter de la historia. Si bien en el pasado han existido varios casos por calumnias via esta red social ninguno, hasta el caso de Love, había llegado a los tribunales de Los Estados Unidos de Norteamérica. La raíz del juicio se remonta a un tweet de 2010, en el que la cantante insinuó que su abogada, Rhonda Holmes, fue “sobornada” tras negarse a ayudarla en una batalla legal por los bienes de su fallecido ex-marido (Kurt Cobain).

Según los expertos, el caso es monumental ya que de encontrarse culpabilidad se creará un precedente y toda persona podrá ser encontrada responsable de este tipo de acción (twittear calumnias) bajo la figura legal de difamación.

Pero, ¿es sólo por este tipo de acciones que debemos relacionar a Love? Acá algunas razones que nos recuerdan por qué se hizo conocida y por qué deberíamos prestarle atención:

Pretty On The Inside – Pretty On The Inside (1991)
En el último track de la ópera prima de Hole, Courtney escupe: ” Slut-Kiss girls won’t you promise her smack, Is she pretty on the inside? Is she pretty from the back?” Una canción directa, confrontacional y feroz en la que se cuestiona el valor de la belleza femenina concebida por el hombre y la sociedad mayoritaria.

Influenciada por el noise (Sonic Youth), punk, hardcore y heavy metal (Black Sabbath) la primera placa de la banda resume historias sobre la descomposición en la relación familiar, la paranoia y la certeza de que el tiempo pasa más rápido cuando todo se viene abajo.

Miss World – Live Through This (1994)
Acá encontramos los primeros cambios importantes: Aparecen las melodías y los medios tiempos. Tanto en el registro vocal de Love como en las guitarras de Eric Erlandson se abre el espacio a los puentes y a coros más elaborados sin dejar de lado la actitud y urgencia de las canciones.”I’m miss world, somebody kill me, Kill me pills, no one cares my friends, My friends” predica el segundo track.

Tras escuchar los dos primeros discos del combo queda claro que, efectivamente, el punk volvió a la vida en Seattle.

Celebrity Skin – Celebrity Skin (1998)
Los paisajes sombríos y el ostracismo social pierde vigencia en varios pasajes de Celebrity Skin que sonoramente es una bocanada de hard rock fresco, melódico y optimista. En términos de producción de sonido es, definitivamente, el mejor disco de la banda formada en Los Angeles y marca su salto del punk al power pop. Sí, es accesible para todos (a.k.a radiable) pero también emocionante y de buen gusto.

La letra del primer single posee sarcasmo pero a la vez resume la, por entonces, glamorosa vida de Love: “You better watch out/What you wish for/ It better be worth it/ So much to die for. Hey, so glad you could make it/Yeah, now you really made it/Hey, there’s only us left now.”

 

Foto de Portada

No todas las tapas de disco son producto de gran planificación o un elaborado diseño. En muchos casos, la producción de la portada es el último tema de conversación tras finalizar la grabación de un álbum.
Estas son un puñado de historias alucinantes sobre la creación de 4 portadas clásicas en las que el producto final ha sido el resultado de la imaginación espontánea, la suerte y el talento de 4 fotógrafos.

London Calling (The Clash) – Autor: Pennie Smith

La fotógrafa de la revista New Musical Express, Pennie Smith, sólo disparó 3 fotogramas la noche que Paul Simonon destrozó su bajo Fender Precision sobre el escenario del Palladium de Nueva York (1979). The Clash se enfrentaba a un público frío y aburrido lo que petardeó la ira del bajista durante el encore final de la noche.
Smith no quería que usaran la foto como portada del nuevo disco de la banda ya que, a su entender, la imagen estaba totalmente fuera de foco. Joe Strummer y el diseñador Ray Lowry le dieron la contra y la instantánea fue la cara del album London Calling.
En 2002, la imagen fue nombrada como “la mejor fotografía de la historia del rock & roll” por la revista Q.

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Vulgar Display of Power (Pantera) – Autor: Brad Guice

Por años hemos escuchado a Phil Anselmo y Vinnie Paul hablar sobre la anécdota detrás de la foto del disco Vulgar Display of Power. Pero la historia del hombre que fue golpeado 30 veces en el rostro a $10 el golpe es tan falsa como el rumor de que Marilyn Manson es, en realidad, el actor Josh Saviano (Los Años Maravillosos).
La fotografía fue producto de un ejercicio de sesuda técnica de estudio desarrollado por el fotógrafo publicitario Brad Guice. La imagen, realizada en película a color, fue una recreación al 100% en la que se utilizaron algunos trucos de iluminación, una baja velocidad de obturación (efecto de rapidez) y un ángulo contrapicado de cámara para darle mayor dramatismo a la toma. Por cierto, se contrató a dos modelos profesionales para la sesión, entre ellos, a un modelo de mano (que aporta el puño que vemos en la tapa).
Grande fue la sopresa de Guice cuando observó la portada final del álbum. “La versión a color era infinitamente superior” dice enfáticamente el fotógrafo.

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Morrison Hotel (The Doors) – Autor: Henry Diltz

“No tenemos ninguna idea” fue la respuesta unánime de Morrison & Cia al fotógrafo Henry Diltz tras iniciar su charla sobre el futuro rostro del quinto album de la banda. Pero luego Ray Manzarek recordó haber pasado en su coche junto a un hotel llamado “Morrison” y le planteó a todos ir a echar un vistazo. Se trataba de un hostal de quinta pero en el ventana principal del frontis se leía: “Morrison Hotel”.
Diltz recuerda la anécdota de esta manera: “Un tipo sentado en la recepción nos dijo que no podíamos tomar ninguna foto ahí dentro. Entonces, le dije a los chicos que había que irnos y apenas salimos del lugar el tipo de la recepción se metió al elevador (la luz que ven casi al centro de la foto es la luz del elevador), asi que la banda entro corriendo al lobby y se sentó detrás de la ventana. Tomé un rollo completo de película lo más rápido que pude y luego salimos como un rayo. Ésa fue la portada.”

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Is This It (The Strokes) – Autor: Colin Lane

Si eres fotógrafo es casi inevitable que retrates a tu pareja desnuda. Sino pregúntenle a Colin Lane que en 1999 convenció a su enamorada de participar en una sexy e improvisada sesión de fotos aprovechando algunos accesorios de cuero abandonados en su departamento. El artista visual quedó tan satisfecho con los resultados que decidió incluir una de ésas imágenes en su portafolio de modas.
Dos años más tarde, comisionado para retratar a una nueva banda de la escena indie llamada The Strokes, Lane decidió llevar consigo su portafolio para que los músicos tuvieran una idea de su obra y el tipo de imagen que podía producir. Julian Casablancas fue el que se detuvo en la foto del trasero de la chica de Lane y, casi de inmediato, le preguntó si podían usarla como tapa de su nuevo disco.
La ahora ex-enamorada del fotógrafo recibió mil dólares de parte de la disquera RCA por aparecer en la portada.

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